Os mistérios da fotografia a cor

Todas as histórias da fotografia são unânimes em reconhecer que a história da fotografia a cor ainda está por fazer. O mundo é a cores, e desde o início a monocromia dos daguerriótipos incentivou a coloração manual. Depois de pronto, o daguerriótipo passava para as mãos do artista que adicionava à mão a cor, e pelo dobro do preço o cliente obtinha o seu retrato a cores. Esta vontade de reproduzir o mundo a cores logo interessou cientistas e curiosos e todas as histórias da fotografia relatam, com mais ou menos detalhe os diferentes processos e técnicas que ao longo do tempo foram colorindo a fotografia. De Edmond Bequerel,

o primeiro a fotografar o espectro solar, à curiosa e estranha coincidência da invenção simultânea de um mesmo processo, (percursor do dye-transfer utilizado nos anos 1970), de Charles Cros e Louis Ducos de Huron

Charles Gros, 1876

Ducos du Huron, 1869

que a Societé Française de Photographie divulgou a 7 Maio de 1869. Seguem-se os autocromos, o processo inventado em 1904 pelos irmãos Lumière, que a Academia das Ciências em Paris dá a conhecer em Junho de 1907, depois os desenvolvimentos da fotografia a cor na era moderna, o Kodachromo na década de 1930 e os posteriores desenvolvimentos da Ektacolor. Quase todas as histórias da fotografia referem todos estes desenvolvimentos. Contudo, muitos dos fotógrafos que se fascinaram pela cor e a utilizaram nos seus trabalhos continuam misteriosamente esquecidos. As explicações quando as há podem ser diversas. Nalguns casos, como Ansel Adams, foi o próprio fotógrafo que nunca quis publicar o seu trabalho a cor. Fascinado com a cor, durante anos Adams publicou inúmeros textos sobre a cor e preparava um livro sobre a estética da cor na fotografia, nunca conseguiu porém, como os próprios textos revelam, controlar a cor como controlara o preto e branco com o seu famoso Zone System em que conseguia numa imagem dividir nove zonas diferentes que iam do branco ao preto. Para além dos trabalhos comerciais que fazia a cores para a Life, Fortune, Horizon, que não considerava artísticos, “out of all this work I made only a few that pleased me aesthetically...”, Adams fez mais de 3.000 fotografias a cores de que gostava bastante, contudo nunca as divulgou. No final da vida acede ao pedido de Beaumont Newhall, ampliar as fotografias de Taos, no Novo México que este encontrara na George Eastman House.

Ansel Adams, Church sunset, rear, Ranchos de Taos, New Mexico,c.1948

Ansel Adams, Church, Sunset, Front, Ranchos de Taos, New Mexico, c.1948

Adams morre em 1984, dez anos depois, Harry Callahan, contemporâneo de Adams e seu admirador é o escolhido para fazer uma selecção das fotografias a cor de Adams. Em 1993 é editado “Ansel Adams in Color”.

Para Adams controlar a cor nas cidades era mais fácil que a cor da natureza,

Ansel Adams, Alloy, West Virginia, c.1939

Ansel Adams, View from Beaumont and Nancy Newhall's apartement on 56th Street, New York, c1942

contudo o seu trabalho a cor, tal como no preto e branco, priveligia a natureza do Oeste americano.

Ansel Adams, Autumn Forest, Yosemite National park, California, c.1946

Ansel Adams, Aspen, North Rim, Grand Canyon National Park, Arizona, 1947

Ansel Adams, Tree, Barn, hills, near Livermore, California, c.1950

Ansel Adams, Pool, Kaibab, Arizona, 1947

Ansel Adams, Salt Pools, near Wendover, Utah, c. 1947

Mas na mesma época, se Adams teorizava sobre a estética da cor mas não revelava as suas fotografias, László Moholy-Nagy em Chicago, quase só fotografava a cor.

Moholy-Nagy, Park scene in front of the Medicine & Public Health Pavilion, New York World's Fair, 1939/40

Moholy-Nagy, Sibyl Moholy-Nagy on Oak Street Beach, Chicago, 1938

Utilizava os seus slides, feitos com os filmes de 35mm da Kodachrome, para mostrar aos seus alunos, na nova Bauhaus de Chicago que ele ajudara a fundar em 1937, as experiências abstractas que conseguia com a cor.

Moholy-Nagy, Night-time traffic, Chicago, 1937-46

Sibyl Moholy-Nagy, a mulher conta: “(...) at one time he came home and I thought he looked absolutely like a ghost, and I said, What happened? He had gone down to Randolph Street, the crossing of Randolph and State, and he had been standing in the middle of the traffic there for half the night with an open camera, photographing with an open camera the light of the traffic lights and the automobiles lights’…”.

Moholy-Nagy, Neon Signs, Chicago, 1939

Moholy-Nagy, New York World's Fair, 1939

Moholy-Nagy, shots of traffic lights, 1939-46
Em 1980, a Thames and Hudson edita uma excelente monografia, a primeira, do trabalho fotográfico de Moholy-Nagy, contudo não há nenhuma fotografia a cores.

Curiosamente de Chicago revela só uma fotografia a preto e branco para a relacionar com um desenho abstracto.

Moholy-Nagy, Chicago, 1937

Moholy-Nagy, design

No ano passado a Steidl em conjunto com o arquivo da Bauhaus em Berlim edita pela primeira vez em livro as fotografias a cores de Moholy-Nagy.

Num dos textos do livro, escrito por uma das filhas, é levantada a questão: “Then why were his photographs from the American era unknown?”. A resposta continua um mistério.
No novo Instituto de Design, como se chamou mais tarde, Moholy-Nagy marca o começo da fotografia abstracta.

Moholy-Nagy, New York billboard detail, 1940

A influência no trabalho de Arthur Siegel um dos seus primeiros alunos é visível.

Arthur Siegel, Untitled, 1946

Siegel é amigo de Callahan do foto clube de Detroit e encoraja o amigo a vir para Chicago. Callahan e Siegel são convidados para professores, em 1951 será a vez de Aaron Siskind. No início influênciado por Moholy, Callahan também faz abstrações a cores com os neons e as luzes nocturnas de Chicago. Depois, como mais tarde dirá “ Everything was Bauhaus this and Bauhaus that. I wanted to break it…I got tired of experimentation…what I was interested in was the technique of seeing…”, mas a fotografia a cor ficou-lhe e em 1977, deixa definitivamente o preto e branco. Nesse ano, juntamente com a mulher, viaja pelo mundo, Irlanda, Hong Kong, Marrocos, Portugal. Se as praias da Irlanda

Harry Callahan, Ireland, 1979

o inspiram a fotografar Cape Cod a cores, “..but when I come back the Ireland experience influenced me on Cape Cod”,

Harry Callahan, Cape Cod, 1979

em Portugal, 1982, são as fachadas,

Harry Callahan, Portugal, 1982

Harry Callahan, Portugal, 1982

Harry Callahan, Portugal, 1982

Harry Callahan, Chicago, 1948

tema recorrente em Chicago que o seduz.
Mas as fotografias a cores de Callahan não constituem mistério, em 1980 o Center for Creative Photography, da universidade do Arizona, organiza a exposição Harry Callahan: Photographs in color/The years 1946-1978. Voltemos então ao tema do post, o mistério da cor. E porque não recuarmos agora no tempo à procura de outros neons e outras luzes de uma cidade europeia, Paris, fotografada ainda a autocromos.

Léon Gimpel, Ilumination de la Samaritaine, 1 décembre, 1933, autocromo

Léon Gimpel, Paris, 21 décembre, 1912, effet du brouillard sur la façade illuminé du Grand Palais, autocromo

Léon Gimpel, Neon Boulevard des Italiens, coin, 3 décembre 1925, autocromo

Léon Gimpel, Paris, 18 décembre, 1910, La rue du Pont Neuf, autocromo

Léon Gimpel é fotógrafo repórter da revista L’Illustration, e as suas fotografias arquivadas na Societé Française de Photographie dormem como a bela adormecida à espera que alguém as resgate novamente para a vida. Albert Londe, o fotógrafo da Salpêtrière é outro caso misterioso. Conhecido pelos estudos que fez na Salpêtrière

Albert Londe, Démarche patalhogique, piste de la Salpêtrière, 1895

ignoram-se os seus autocromos que tanto o interessaram e que tão afincadamente procurou divulgar. Só em estudos, pouco divulgados é que as conseguimos ver.

Albert Londe, Villa au Cap Ferrat, autocromo

Albert Londe, Régates du club nautique de Nice, 1912, autocromo

Albert Londe, Cuirassé Villefranche, autocromo

Mas regressemos novamente à América e aos anos da seca no Midwest. Falamos do projecto da Farm Security Administration, a FSA, uma obra hoje considerada um dos maiores documentários fotográficos do país. Criado pelo Departamento de Agricultura no programa do New Deal de Rossevelt, o projecto visava mostrar ao Senado e ao país como era urgente ajudar os agricultores. Sob a orientação e os esforços de Roy Stryker as fotografias, a preto e branco, foram amplamente divulgadas. Com a recuperação económica as fotografias repousaram no arquivo da Biblioteca do Congresso. Nos anos de 1970, deixaram o pó da Biblioteca e começaram a ser expostas, sempre a preto e branco. Só recentemente, em 2004,

a Harry N. Abrams conjuntamente com a Biblioteca do Congresso divulga, após uma selecção dos 1600 Kodachromes existentes, as fotografias a cor da FSA. Novamente a questão: porque nunca foram divulgadas? Em épocas de crise, a variedade escasseia, e o preto e branco serviam na perfeição para a dissimular, como estas toranjas e laranjas que não se distinguiam a preto e branco.

John Vachon, Lincoln Nebraska, 1939-43

Marion Post Wolcott, Day Laborers picking cotton, near Clarksdale, Mississippi, 1940

Jack Delano, At the state Fair Rutland, Vermont, 1941

Russell Lee, Schoolchildren singing, Pie Town, New Mexico, 1940

Russell Lee, Children sleeping through the square dance, Mcintosh County, Oklahoma, 1939-40

Voltamos novamente para Paris, com “Paris- Couleurs” de Willy Ronis, editado no final do ano passado.
Ronis, catalogado um dos fotógrafos humanistas do preto e branco, é hoje alvo de críticas, já não se aguenta, diz André Rouillé num dos seus editoriais do seu site Paris Art.
Ronis, como fotógrafo humanista fotografou o pós-guerra.

No pós-guerra, a França debatia-se com grandes privações, tinha ficado sem reservas monetárias e um défice de milhões na balança de pagamentos. Recebia da América crédito para a compra de carvão, alimentos e matérias-primas, mas essa ajuda não permitia mais que a sua sobrevivência. Os franceses só veriam melhores dias a partir de 1949, altura em que a execução do plano Marshall foi suficiente para arrancar com a economia. Contudo, a boa disposição dos franceses, depois da libertação era visível, sobretudo nas festas populares, como a festa do 14 de Julho. Grupos de jovens dançavam nas ruas radiantes. Qualquer descrição literária não podia ser mais real do que esta fotografia de Ronis:

Willy Ronis, Chez Max, Nugent, 1947

Não preciso da cor para gostar das fotografias de Ronis.

Agora Ronis publica as fotografias a cores que nunca mostrou. “A partir de 1955, andei sempre com duas Leicas, uma para a cor outra para o preto e branco” e acrescenta “comparando-as com as minhas fotografias a preto e branco não encontro diferenças”. Embora a sensibilidade dos filmes a cores à época fossem baixas, 10 ASA, Ronis mesmo com películas lentas, fotografou as cenas de rua, os cafés, o metro, a circulação urbana...em suma os mesmos temas.

Willy Ronis, Paris

Willy Ronis, Paris

Willy Ronis, Paris

Willy Ronis, Paris

Mas o que intriga é dizerem “La découverte des photographies en couleurs de Willy Ronis...” A descoberta? Não é Ronis que agora as quer publicar? E porque só agora, já quase nos cem anos de idade?

Depois há as situações inversas. Joel Meyerowitz e Tony Ray Jones logo no início dos anos 1960, quando o preto e branco dominava, estão nas ruas de Nova Iorque a fotografar a cores. Ray Jones, regressa a Inglaterra, e fotografa os ingleses, não a cor mas a preto e branco. Em 1974, dois anos depois de morrer é editado "A Day Off", um dos melhores livros fotógraficos que retrata a sociedade inglesa, mas a preto e branco. Joel Meyerowitz continua nas ruas de Nova Iorque, na Fifth Avenue, a avenida onde tudo acontece. O companheiro é agora Garry Winogrand. "As fotografias que lhe mostrei, (a Garry)" recorda-se Meyerowitz, "eram a cores, não tinha nenhuma a preto e branco. Levei meses e meses a adaptar-me ao preto e branco". Em Nova Iorque, Diane Arbus, Lee Friedlander, Garry Winogrand, seram os últimos, a fotografar a preto e branco, a cor vinha a caminho, Setphen Shore,William Egglestone... Mas Meyerowitz nunca irá largar a cor, e tal como Ronis, anda sempre com duas Leicas, uma para a cor outra para o preto e branco. No final, e agora em contraste com Ronis, decide-se pela cor. Nova Iorque fica para trás, prefere a quietude e a luz de Cape Cod, para as suas fotografias a cor.

E terminemos na Europa, com a cor a caminho. Na mesma cidade, Modena em Itália dois fotógrafos Franco Fontana e Luigi Ghirri, começam a fotografar a cores nos anos 1970, é o início na Europa da fotografia moderna a cor. Em Paris a galeria Anne de Villepoix expõe até 8 de Dezembro o trabalho "Kodachrome" de Ghirri, clique aqui e veja. Em 1975, Franco Fontana fotografou esta paisagem a cores.

Franco Fontana, Landscape, 1975

Nuno Calvet, em Portugal aproximadamente na mesma época fotografou a região do Alentejo, a cores e a preto e branco. Em 1983, a Fundação Calouste Gulbenkian editou em livro as suas fotografias.

Para quem não as conheça aqui ficam algumas imagens:

Nuno Calvet, Região de Messejana, Aljustrel, 1981

Nuno Calvet, Região de Messejana, Aljustrel, MAio, 1982

Nuno Calvet, Região da Póvoa, Moura, Março 1981

A História da fotografia a cor ainda está por escrever, porque muito ainda está por desvendar, mas o mistério perdura, será porque o mundo é mais real a preto e branco?