Está em exibição no MoMa, Museum of Modern Art de Nova Iorque, uma retrospectiva de Jeff Wall. No site pode ver a exposição assim como as críticas dos jornais. Consulte aqui.
Ler mais...
quarta-feira, fevereiro 28, 2007
segunda-feira, fevereiro 26, 2007
Fundação Foto Colectania
A Fundação Foto Colectania, em Barcelona, foi criada com o propósito, como nos diz o seu director, Pepe Font de Mora, de incitar e divulgar as colecções de fotografia.
Iniciada em 2002 pela mão de Mario Rotllant, ele próprio um coleccionador de fotografia, a Fundação tem uma programação variada promovendo debates, colóquios e centra-se na apresentação de colecções de fotografia de particulares e institucionais. Colecções portuguesas já foram objecto de exposições, como a colecção particular do galerista Mário Teixiera da Silva (2004/2005), e a nossa Colecção do Centro Português de Fotografia (2002/2003). Cada exposição é acompanhada de um excelente catálogo.
Há diferentes modos de coleccionar, pode-se coleccionar como um vício que não faz mal à saúde, como nos diz Helga de Alvear, que recentemente expôs a sua colecção no CCB, e a sua colecção foi a primeira a ser apresentada na Fundação, como coleccionar por puro investimento. O gráfico que apresento não é a valorização de nenhum activo financeiro, é o gráfico que nos dá nos últimos dez anos a valorização das fotografias de Diane Arbus.
Rentabilidade de 700% em 10 anos é difícil de obter no mercado financeiro. Contudo é interessante reparar que o preço das fotografias de Arbus seguem a tendência geral do mercado accionista, queda abrupta a partir de 2000, e está ao agora ao rubro. Hoje, e derivado destas subidas de preços, muitos são os que querem coleccionar fotografia. Quem pode comprar porque não arriscar?
Mário Teixeira da Silva, tem uma dupla faceta, é galerista e coleccionador. Mas apesar deste cruzamento de interesses, diz-nos Filipa Valladares, cordenadora da Foto Colectania em Portugal, Mário separa sempre claramente o galerista do coleccionador, comprando obras que nunca pensaria expor. A provocação do olhar é sempre o que está por trás das suas escolhas, continua.
Actualmente a Fundação tem em exposição “Sus ojos les delatan” a colecção de fotografias de Lola Garrido, directora artística da Foto Colectania, que estará até 24 de Março.
Lola Garrido, no catálogo, escreve “não me recordo de ter feito nada mais importante na minha vida do que me deixar fascinar pelas imagens”. “Coleccionar é uma arte,... é saber discernir o que se quer e o que se recusa,... a colecção é uma colecção pessoal, um estado de espírito,... é o reflexo da minha escala de interesses e de valores” continua. Basta olhar para as fotografias do catálogo que percebemos tudo isso, as fotografias pelas quais se deixou fascinar denunciam-na.
E agora olhemos para uma das imagens que fascinaram Lola Garrido, e que também a mim me fascinou:
RODCHENKO, Alexander The artist's mother at the table, 1928, 16,5 x 22,4 cm
Quem gosta de fotografia certamente conheçe a mãe de Alexander Rodchenko, com os seus óculos redondos de aros finos que fez capa de livros.
Na fotografia da colecção, The artist’s mother at the table, entramos na sua intimidade, ...da mesma forma como Rodchenko entrara na intimidade das novas casas comunais de Moscovo, onde também somos confrontados com uma residente a beber chá a uma mesa. A mulher está sózinha, embora as outras duas chávenas sugira uma vivência comunal.
RODCHENKO, Alexander, Interior de apartamento no edifício "Ginsburg", 1932, 24 x 30 cm
The artist’s mother convida-nos a fazer a ligação.
Para quem não puder ir a Barcelona o catálogo encontra-se à venda em Portugal.
Ler mais...
Iniciada em 2002 pela mão de Mario Rotllant, ele próprio um coleccionador de fotografia, a Fundação tem uma programação variada promovendo debates, colóquios e centra-se na apresentação de colecções de fotografia de particulares e institucionais. Colecções portuguesas já foram objecto de exposições, como a colecção particular do galerista Mário Teixiera da Silva (2004/2005), e a nossa Colecção do Centro Português de Fotografia (2002/2003). Cada exposição é acompanhada de um excelente catálogo.
Há diferentes modos de coleccionar, pode-se coleccionar como um vício que não faz mal à saúde, como nos diz Helga de Alvear, que recentemente expôs a sua colecção no CCB, e a sua colecção foi a primeira a ser apresentada na Fundação, como coleccionar por puro investimento. O gráfico que apresento não é a valorização de nenhum activo financeiro, é o gráfico que nos dá nos últimos dez anos a valorização das fotografias de Diane Arbus.
Rentabilidade de 700% em 10 anos é difícil de obter no mercado financeiro. Contudo é interessante reparar que o preço das fotografias de Arbus seguem a tendência geral do mercado accionista, queda abrupta a partir de 2000, e está ao agora ao rubro. Hoje, e derivado destas subidas de preços, muitos são os que querem coleccionar fotografia. Quem pode comprar porque não arriscar?
Mário Teixeira da Silva, tem uma dupla faceta, é galerista e coleccionador. Mas apesar deste cruzamento de interesses, diz-nos Filipa Valladares, cordenadora da Foto Colectania em Portugal, Mário separa sempre claramente o galerista do coleccionador, comprando obras que nunca pensaria expor. A provocação do olhar é sempre o que está por trás das suas escolhas, continua.
Actualmente a Fundação tem em exposição “Sus ojos les delatan” a colecção de fotografias de Lola Garrido, directora artística da Foto Colectania, que estará até 24 de Março.
Lola Garrido, no catálogo, escreve “não me recordo de ter feito nada mais importante na minha vida do que me deixar fascinar pelas imagens”. “Coleccionar é uma arte,... é saber discernir o que se quer e o que se recusa,... a colecção é uma colecção pessoal, um estado de espírito,... é o reflexo da minha escala de interesses e de valores” continua. Basta olhar para as fotografias do catálogo que percebemos tudo isso, as fotografias pelas quais se deixou fascinar denunciam-na.
E agora olhemos para uma das imagens que fascinaram Lola Garrido, e que também a mim me fascinou:
RODCHENKO, Alexander The artist's mother at the table, 1928, 16,5 x 22,4 cm
Quem gosta de fotografia certamente conheçe a mãe de Alexander Rodchenko, com os seus óculos redondos de aros finos que fez capa de livros.
Na fotografia da colecção, The artist’s mother at the table, entramos na sua intimidade, ...da mesma forma como Rodchenko entrara na intimidade das novas casas comunais de Moscovo, onde também somos confrontados com uma residente a beber chá a uma mesa. A mulher está sózinha, embora as outras duas chávenas sugira uma vivência comunal.
RODCHENKO, Alexander, Interior de apartamento no edifício "Ginsburg", 1932, 24 x 30 cm
The artist’s mother convida-nos a fazer a ligação.
Para quem não puder ir a Barcelona o catálogo encontra-se à venda em Portugal.
Ler mais...
sábado, fevereiro 24, 2007
Los Angeles é cinema
O cinema continua a seduzir Los Angeles. Amanhã todos os holofotes serão direccionados para a cidade onde se desenrolará a entrega dos Óscares. Los Angeles e o cinema continuam indissociáveis.
Los Angeles, onde há oitenta anos se inventou Hollywood é uma cidade desmesurada, onde só se anda de carro.
Dennis Hopper, Los Angeles, 1961
O que há para ver em L.A.? Curioso, nem é preciso pronunciar Los Angeles. É verdade, temos o Sunset Boulevard com a estreita e inclinada escadaria, onde num filme o bucha e o estica tentaram fazer subir um piano...é, o cinema criou o Sunset, local a percorrer.
Cidade que circunda os estúdios de cinema, que há a dizer da relação entre os filmes e a cidade? Numa perseguição de carros, acelaramos numa rua, para no instante seguinte capotarmos numa qualquer outra ponta da cidade. Nunca uma cidade foi tão filmada de um modo tão imperfeito.
E os fotógrafos, como é que a viram?
Los Angeles extende-se na horizontal,
(parte do Sunset Boulevard).
e essa horizontalidade inspirou Ed Ruscha. Every Building on the Sunset Strip, título do livro, foram fotografados e minuciosamente montados num livro desdobrável de 8,20 metros.
On The Sunset Strip, Edward Ruscha, 1966
Robert Frank, já na fase em que não tinha mais nada a fotografar, numa dialéctica entre filme e fotografia, faz fotografias das suas polaroids e monta-as de forma cinemática. A montagem Fantastic Sandwiches Venice, em L.A., é um ensaio de foto-filme,
Garry Winogrand sente-se bem na cidade, tudo à sua volta é velocidade e frenético, condiz com o seu espírito, mas Los Angeles não é para peões, e Winogrand cede o deambular na rua pelo carro. As altas velocidades que utiliza nos seus filmes, congelam a velocidade da cidade.
E finalmente Los Angeles a cores.
Andreas Gursky gosta do grande, Los Angeles captivou-o. Gursky mostra-nos a cidade em ecrã gigante.
E vamos terminar com fotografias de Wim Wenders em Los Angeles a falar de cinema.
And once
I drove from Los Angeles
All the way up to Barstow
In the middle of the Mojave Desert,
Together with Dennis Hopper,
To see Nick.
Milos Forman was shooting the movie version of “Hair” there
And Nick palyed the “General” in it.
Dennis Knew Nick from a long time ago,
Whwn Nick had given him a small part
In “Rebel Without a Cause”.
Dennis became friends with James Dean…
During that night in Barstow
The conversation inevitably turned to James Dean
And Nick declared to us:
“I taught him how to walk!”
I’m ready to believe it
Especially if you Know
That this mysterious man
Walking through the scene in the final take of “Rebel…”
Is Nick himself.
Next time, take a look at his walk.
Wim Wenders
Ler mais...
Los Angeles, onde há oitenta anos se inventou Hollywood é uma cidade desmesurada, onde só se anda de carro.
Dennis Hopper, Los Angeles, 1961
O que há para ver em L.A.? Curioso, nem é preciso pronunciar Los Angeles. É verdade, temos o Sunset Boulevard com a estreita e inclinada escadaria, onde num filme o bucha e o estica tentaram fazer subir um piano...é, o cinema criou o Sunset, local a percorrer.
Cidade que circunda os estúdios de cinema, que há a dizer da relação entre os filmes e a cidade? Numa perseguição de carros, acelaramos numa rua, para no instante seguinte capotarmos numa qualquer outra ponta da cidade. Nunca uma cidade foi tão filmada de um modo tão imperfeito.
E os fotógrafos, como é que a viram?
Los Angeles extende-se na horizontal,
(parte do Sunset Boulevard).
e essa horizontalidade inspirou Ed Ruscha. Every Building on the Sunset Strip, título do livro, foram fotografados e minuciosamente montados num livro desdobrável de 8,20 metros.
On The Sunset Strip, Edward Ruscha, 1966
Mas a horizontalidade não foi a única fonte de sedução, a cor das piscinas foi outra. Se o cinema adoptou a cor logo que a técnica o permitiu, a fotografia ainda era a preto e branco. Ruscha não se sentia fotógrafo, e a cor seduziu-o.
Do livro, Nine Swimming Pools, Edward Ruscha, 1968
A crítica escrevia "ninguém tem nenhuma ideia do que Ruscha anda a fazer ou a tentar fazer, nem ele próprio nos elucida quando lhe perguntamos, a crítica ficou confusa com os livros de Ruscha. Não eram arte, porque não exprimiam a sua visão pessoal, não eram documentos, porque o conteúdo das fotografias era demasiado banal para ser informação. Neutro foi a palavra que encontraram para definir o seu estilo. O estilo neutro derivou em Pop Art. Ruscha, diz que são livros fotográficos.
Edward Weston, o fotógrafo da natureza de Point Lobos, não ficou imune à Metro-Goldwyn –Mayer e à Twentieth Century-Fox.
Objectos encontrados acidentalmente, um barco do rio Mississippi ancorado numa cidade que nada tem do Mississippi,
Edward Weston, o fotógrafo da natureza de Point Lobos, não ficou imune à Metro-Goldwyn –Mayer e à Twentieth Century-Fox.
Objectos encontrados acidentalmente, um barco do rio Mississippi ancorado numa cidade que nada tem do Mississippi,
Ghost Sets, M.G.M. Edward Weston, 1939
escadas para um cenário de filme que não levam a lado nenhum revelam a sua ironia por esta cidade inventada.
M.G.M. Hollywood, Edward Weston, 1939
Robert Frank, já na fase em que não tinha mais nada a fotografar, numa dialéctica entre filme e fotografia, faz fotografias das suas polaroids e monta-as de forma cinemática. A montagem Fantastic Sandwiches Venice, em L.A., é um ensaio de foto-filme,
Fantastic Sandwiches Venice, L.A. Robert Frank, 1975
onde Frank estabelece um diálogo entre o movimento da câmara e o gelo da imagem fixa.
No que diz respeito às montagens, gosto dessa forma, diz-nos Frank. Fico sempre satisfeito com a coincidência. Não podi
No que diz respeito às montagens, gosto dessa forma, diz-nos Frank. Fico sempre satisfeito com a coincidência. Não podi
a continuar a trabalhar da mesma forma com as imagens anteriores.
Movie premiere- Hollywood, Robert Frank , do livro The Americans
Garry Winogrand sente-se bem na cidade, tudo à sua volta é velocidade e frenético, condiz com o seu espírito, mas Los Angeles não é para peões, e Winogrand cede o deambular na rua pelo carro. As altas velocidades que utiliza nos seus filmes, congelam a velocidade da cidade.
Los Angeles, Garry Winogrand, 1964
E finalmente Los Angeles a cores.
Los Angeles, Andreas Gursky, 1999
Andreas Gursky gosta do grande, Los Angeles captivou-o. Gursky mostra-nos a cidade em ecrã gigante.
E vamos terminar com fotografias de Wim Wenders em Los Angeles a falar de cinema.
And once
I drove from Los Angeles
All the way up to Barstow
In the middle of the Mojave Desert,
Together with Dennis Hopper,
To see Nick.
Milos Forman was shooting the movie version of “Hair” there
And Nick palyed the “General” in it.
Dennis Knew Nick from a long time ago,
Whwn Nick had given him a small part
In “Rebel Without a Cause”.
Dennis became friends with James Dean…
During that night in Barstow
The conversation inevitably turned to James Dean
And Nick declared to us:
“I taught him how to walk!”
I’m ready to believe it
Especially if you Know
That this mysterious man
Walking through the scene in the final take of “Rebel…”
Is Nick himself.
Next time, take a look at his walk.
Wim Wenders
E os fotógrafos como é que a viram ?
Los Angeles é cinema.
Los Angeles é cinema.
Ler mais...
quinta-feira, fevereiro 22, 2007
Cidades Efémeras, Sergio Belichón
Cidades Efémeras (2001) de Sergio Belichón (n.1971) está em exposição até ao final desta semana na galeria Fernando Santos em Lisboa.
A série, uma cidade espanhola na Costa do Levante, construída exclusivamente para fins turísticos é uma cidade efémera. Só três meses no ano, os meses de verão, é que a cidade tem vida, nos restantes converte-se numa cidade fantasma. As fotografias da série Cidades Efémeras, são tiradas quando a cidade se transforma em fantasma. Belichón, um espanhol que trabalha em Berlim, gosta de fotografar os espaços urbanos, em que a presença humana é-nos dada únicamente pelos seus vestígios. São fotografias da terra de ninguém, como apelidou o sociólogo françês Marc Augé, a estes espaços, que nem são cidades nem campo.
Cidades Efémeras, Sergio Belinchón
Cidades Efémeras, Sergio Belichón
Cidades Efémeras, Sergio Belichón
Cidades Efémeras, Sergio Belichón
Arredores de Berlim é uma das suas séries mais recentes (2004).
Sem Título, Sergio Belichón, 2004
Sem Título, Sergio Belichón, 2004
Na década de 1970, a fotografia americana centrou-se, nesta terra de ninguém, os subúrbios das grandes cidades. Os fotógrafos olham em volta e não gostam do que vêem. “New Topographics: Photographs of a Man-Altered Environment”, que o museu da George Eastment House organiza em 1975, é a exposição seminal desta geração. Lewis Baltz, Robert Adams, Nicholas Nixon... todos americanos, da Europa só Bernd e Hilla Becher.
Subúrbios transformados em lixeiras, poluição do ambiente, casas standardizadas, todas iguais de construção rápida. É preciso mostrar a degradação rápida da natureza. É a geração das fotografias em série e do olhar que se quer neutro, o que é importante é o tema, não é a fotografia em si nem a expressão do fotógrafo.
Em meados dos anos 1980, Lewis Baltz testemunha os espaços violados e espoliados de dois subúrbios de São Francisco, San Quentin Point, logo à saída da Golden Gate Bridge,
San Quentin Point, Califórnia, USA, Lewis Baltz, 1981-3
e Candlestick Point, na zona sul do Bronx, Nesta última série, a cor mistura-se com o preto e branco na perfeição. É o subúrbio sem cor.
Candlestick Point, Califórnia, USA, Lewis Baltz, 1984-8
Mas já antes, Homes for America editado na revista Arts Magazine em Dezembro 1966-
Janeiro 1967, é uma reflexão de Dan Graham sobre a construção standardizada das “track houses” que surgiram no pós-guerra na América.
Trucks, New Jersey, N.J, Homes for America, Dan Graham, 1966
Independentemente da zona geográfica, como se lê no texto de Homes for America, as casas dos subúrbios são standardizadas.
Numa viagem de regresso a New Jersey, vi muitas coisas que queria fotografar, diz Graham numa entrevista anos mais tarde. Como não tinha dinheiro para fazer arte, caminhava ao longo da via férrea e tirava fotografias de áreas suburbanas. Nelas, interessaram-me coisas que também na arte minimal consideravamos importantes, a transparência e a serialidade. As fotografias foram projectadas em slides.
A Arts Magazine pediu-me então para as publicar, e eu achei interessante juntar um texto.
Este trabalho de Graham, um dos seus primeiros, é um ensaio em fototexto, que a crítica não soube classificar. Não é arte nem tão pouco um artigo de revista. Série de 34 páginas, onde cada uma tem 3 colunas de formato idêntico, é um misto de brochura e inquérito sociológico. Nos subúrbios de Cape Coral, o comprador, lemos no texto, pode escolher entre oito modelos de casas A The Sonata B The Concerto C The Ouverture...e pode também escolher oito cores para a pintura do exterior. O texto mostrava combinações do mesmo modo que as fotografias.
A subjectividade de quem escolhe acaba numa produção em série. Graham põe em relevo a crise do modernismo, em que o sentimento individual não se coaduna com o modelo de vida doméstica contemporânea imposto pela industrialização.
Row of New Tract Houses, Jersey City, Homes for America, Dan Graham, 1966
Row of New Tract Houses, Bayonne,N,J, Homes for America, Dan Graham, 1966
Row of Tract House, Bayonne,N.J, Homes for America, Dan Graham, 1966
Split Level, Two Home Homes, Jersey City.N,J, Homes for America, Dan Graham, 1966
Opening of a New Highway Restaurant, Jersey City, N.J, Homes for America,D.Graham 1967
Row of Houses, Jersey City, N,J.Homes for America, Dan Graham, 1966
Se na década de 1970, o campo de acção prioritário foi o registo da transformação da paisagem urbana, hoje o campo de acção da fotografia americana alargou-se ao meio ambiente. “Ecotopia” uma exposição que terminou no mês passado no International Center of Photography, em Nova Iorque é um exemplo.
Ler mais...
A série, uma cidade espanhola na Costa do Levante, construída exclusivamente para fins turísticos é uma cidade efémera. Só três meses no ano, os meses de verão, é que a cidade tem vida, nos restantes converte-se numa cidade fantasma. As fotografias da série Cidades Efémeras, são tiradas quando a cidade se transforma em fantasma. Belichón, um espanhol que trabalha em Berlim, gosta de fotografar os espaços urbanos, em que a presença humana é-nos dada únicamente pelos seus vestígios. São fotografias da terra de ninguém, como apelidou o sociólogo françês Marc Augé, a estes espaços, que nem são cidades nem campo.
Cidades Efémeras, Sergio Belinchón
Cidades Efémeras, Sergio Belichón
Cidades Efémeras, Sergio Belichón
Cidades Efémeras, Sergio Belichón
Arredores de Berlim é uma das suas séries mais recentes (2004).
Sem Título, Sergio Belichón, 2004
Sem Título, Sergio Belichón, 2004
Na década de 1970, a fotografia americana centrou-se, nesta terra de ninguém, os subúrbios das grandes cidades. Os fotógrafos olham em volta e não gostam do que vêem. “New Topographics: Photographs of a Man-Altered Environment”, que o museu da George Eastment House organiza em 1975, é a exposição seminal desta geração. Lewis Baltz, Robert Adams, Nicholas Nixon... todos americanos, da Europa só Bernd e Hilla Becher.
Subúrbios transformados em lixeiras, poluição do ambiente, casas standardizadas, todas iguais de construção rápida. É preciso mostrar a degradação rápida da natureza. É a geração das fotografias em série e do olhar que se quer neutro, o que é importante é o tema, não é a fotografia em si nem a expressão do fotógrafo.
Em meados dos anos 1980, Lewis Baltz testemunha os espaços violados e espoliados de dois subúrbios de São Francisco, San Quentin Point, logo à saída da Golden Gate Bridge,
San Quentin Point, Califórnia, USA, Lewis Baltz, 1981-3e Candlestick Point, na zona sul do Bronx, Nesta última série, a cor mistura-se com o preto e branco na perfeição. É o subúrbio sem cor.
Candlestick Point, Califórnia, USA, Lewis Baltz, 1984-8Mas já antes, Homes for America editado na revista Arts Magazine em Dezembro 1966-
Janeiro 1967, é uma reflexão de Dan Graham sobre a construção standardizada das “track houses” que surgiram no pós-guerra na América.
Trucks, New Jersey, N.J, Homes for America, Dan Graham, 1966Independentemente da zona geográfica, como se lê no texto de Homes for America, as casas dos subúrbios são standardizadas.
Numa viagem de regresso a New Jersey, vi muitas coisas que queria fotografar, diz Graham numa entrevista anos mais tarde. Como não tinha dinheiro para fazer arte, caminhava ao longo da via férrea e tirava fotografias de áreas suburbanas. Nelas, interessaram-me coisas que também na arte minimal consideravamos importantes, a transparência e a serialidade. As fotografias foram projectadas em slides.
A Arts Magazine pediu-me então para as publicar, e eu achei interessante juntar um texto.
Este trabalho de Graham, um dos seus primeiros, é um ensaio em fototexto, que a crítica não soube classificar. Não é arte nem tão pouco um artigo de revista. Série de 34 páginas, onde cada uma tem 3 colunas de formato idêntico, é um misto de brochura e inquérito sociológico. Nos subúrbios de Cape Coral, o comprador, lemos no texto, pode escolher entre oito modelos de casas A The Sonata B The Concerto C The Ouverture...e pode também escolher oito cores para a pintura do exterior. O texto mostrava combinações do mesmo modo que as fotografias.
A subjectividade de quem escolhe acaba numa produção em série. Graham põe em relevo a crise do modernismo, em que o sentimento individual não se coaduna com o modelo de vida doméstica contemporânea imposto pela industrialização.
Row of New Tract Houses, Jersey City, Homes for America, Dan Graham, 1966 Row of New Tract Houses, Bayonne,N,J, Homes for America, Dan Graham, 1966 Row of Tract House, Bayonne,N.J, Homes for America, Dan Graham, 1966 Split Level, Two Home Homes, Jersey City.N,J, Homes for America, Dan Graham, 1966Opening of a New Highway Restaurant, Jersey City, N.J, Homes for America,D.Graham 1967
Row of Houses, Jersey City, N,J.Homes for America, Dan Graham, 1966Se na década de 1970, o campo de acção prioritário foi o registo da transformação da paisagem urbana, hoje o campo de acção da fotografia americana alargou-se ao meio ambiente. “Ecotopia” uma exposição que terminou no mês passado no International Center of Photography, em Nova Iorque é um exemplo.
Clatsop County, Robert Adams, 2001
Amos Power Plant, Raymond, West Verginia, Mitch Epstein, 2004
Biloxi, Mississipi, Mitch Epstein, 2005
Surveillance 983-9, Daivid Maisel, 2005
A preocupação centra-se nos efeitos globais da poluição. A fotografia americana não consegue escapar às condições do enquadramento da época respectiva. Na Europa, os lugares de ninguém, continuam tema prioritário.
Ler mais...
quarta-feira, fevereiro 21, 2007
Globalização dos concursos fotográficos
Globalização e recomeçar de novo, são dois fenómenos que estão associados, disse Mr. Greenspan, um ano antes de se retirar como Presidente da Reserva Federal Americana. Os avanços das novas tecnologias, na década de 1990, permitiram que qualquer um de nós investisse sem receio em qualquer mercado do mundo e em consequência estamos hoje perante uma nova economia internacional difícil de prever. Os modelos que nos serviam de referência, estão obsoletos já não funcionam mais.
Hoje as novas tecnologias permitem que qualquer fotógrafo envie os seus trabalhos para competições internacionais. O modelo, de premiar o amigo do amigo do amigo, também está em vias de desaparecer. Vai ser cada vez mais difícil de prever quem vai ganhar o prémio..., nem tudo é mau na era da globalização...
One Vision - European Photography Competition 2007, tem abertas as suas inscrições até dia 15 de Março. Patrocinada pela empresa Bristol-Myers Squibb, vejam o tema deste ano “Throught the eyes of another” e como podem concorrer.
Ler mais...
Hoje as novas tecnologias permitem que qualquer fotógrafo envie os seus trabalhos para competições internacionais. O modelo, de premiar o amigo do amigo do amigo, também está em vias de desaparecer. Vai ser cada vez mais difícil de prever quem vai ganhar o prémio..., nem tudo é mau na era da globalização...
One Vision - European Photography Competition 2007, tem abertas as suas inscrições até dia 15 de Março. Patrocinada pela empresa Bristol-Myers Squibb, vejam o tema deste ano “Throught the eyes of another” e como podem concorrer.
Ler mais...
terça-feira, fevereiro 20, 2007
Comparações australianas
É sempre interessante comparar fotografias:
Sunbathers, South Bondi,2000, Ben Aptelbaum. Austrália
At Newport, 1952, Max Dupain, Austrália
Ler mais...
Sunbathers, South Bondi,2000, Ben Aptelbaum. Austrália At Newport, 1952, Max Dupain, Austrália
Ler mais...
segunda-feira, fevereiro 19, 2007
Jean-Christian Bourcart
Á semelhança do nosso Bes Photo, o Jeu de Paume atribuiu este ano pela primeira vez um prémio Le Prix Photo du Jeu de Paume. Os dois fotógrafos escolhidos, receberão 10 000 euros cada e de 24 de Abril a 3 de Junho de 2007, serão expostas as suas fotografias.
Jean-Christian Bourcart (n.1960) foi um dos premiados. Bourcart faz parte desta nova geração que trabalha por séries.
“Traffic”, uma série realizada em 2003 e exposta no Mois de la Photo de 2004 na galeria Léo Scheer, são tiradas com uma teleobjectiva junto a um semáforo da rua onde vive, Canal Street, em Nova Iorque. Fotografa então a resignação de quem anda no trânsito, preferindo os dias chuvosos, porque as janelas dos carros estão fechadas. No verão não dava para fotografar, diz Bourcart, as pessoas tem as janelas abertas.
Jean-Christian Bourcart, série Traffic, 2003
Jean-Christian Bourcart, série Traffic, 2003
Num artigo de decoração duma revista dos nossos jornais, deparei com esta sugestão
Pois é Bourcart já faz parte da decoração de uma sala portuguesa...
Ler mais...
Jean-Christian Bourcart (n.1960) foi um dos premiados. Bourcart faz parte desta nova geração que trabalha por séries.
“Traffic”, uma série realizada em 2003 e exposta no Mois de la Photo de 2004 na galeria Léo Scheer, são tiradas com uma teleobjectiva junto a um semáforo da rua onde vive, Canal Street, em Nova Iorque. Fotografa então a resignação de quem anda no trânsito, preferindo os dias chuvosos, porque as janelas dos carros estão fechadas. No verão não dava para fotografar, diz Bourcart, as pessoas tem as janelas abertas.
Jean-Christian Bourcart, série Traffic, 2003Jean-Christian Bourcart, série Traffic, 2003
Num artigo de decoração duma revista dos nossos jornais, deparei com esta sugestão
Pois é Bourcart já faz parte da decoração de uma sala portuguesa...
Ler mais...
Subscrever:
Mensagens (Atom)